Dans une ambiance conviviale au centre ville de Sète.
Dessin d’observation ou autre: Chaque Mercredi: Séance de 16h à 19h dans l’atelier au 8 Rue de la Fringadelle 34140 Mèze. Tarif de la séance: 15 Euros pour 3 heures, un supplément de 2 Euro est demandé si vous voulez venir les mains vides, je fournirai le matériel, crayons, plumes, encres, gouaches, pinceaux, feuilles…
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OPTION 2/ COURS PARTICULIERS de dessin pour adultes, enfants, étudiants, débutants ou non à Sète:
Dessin d’observation et beaucoup de techniques. Je me déplace à votre domicile ou alors vous vous déplacez au 8 Rue de la Fringadelle 34140 Mèze. Tarif de la séance de 2 heures minimum: 25 Euros, matériel inclus.
Vous serez mon unique étudiant et vous pourrez venir aux horaires qui vous conviennent. Si vous désirez des séances de 3 heures le tarif est de 30 Euros matériel inclus. Vous pouvez venir avec votre matériel, le tarif est à discuter.
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OPTION 3/ POUR LES COLLECTIVITES: Animations artistiques pour les enfants ou adultes dans les écoles ou centres culturels à Sète et Montpellier
Dessin, peinture, modelage, éveil aux techniques artistiques en s’amusant. 17 Euros par heure à raison de 2 heures minimum.
Une rencontre avec une couturière en 2012 me propose du tissu, je tombe sous le charme de cette matière, je me mets à réaliser des tableaux, j’assemble, je couds, je déchire, je froisse, je plie, je tisse, je brode. Je dessine avec l’aiguille de la machine à coudre que je laisse filer. La couture à la machine à coudre donne une énergie, un mouvement, un rythme. J’aime le travail instinctif, poétique, mais néanmoins qui a du sens. Je joue avec l’aiguille, comme avec les mots, texte-textile, écriture-broderie, aiguille-crayon… Depuis, j’utilise le tissu pour mes créations artistiques; je me suis rapidement rendue compte que cette matière offrait de multiples possibilités. Matières que je glane, détourne, recycle et sublime et que je n’hésite pas à marier aux papiers.
CE QUI CARACTÉRISE MON TRAVAIL :
Poétique et narratif, ouvrage de dames, engagé, féminin, viscérale, émotion, généalogique, transmission, hérédité, mémoire.
COMMENT JE TRAVAILLE :
La matière qui me guide, je travaille comme si je modelais, je sculptais, je couds , je chiffonne je brode, je déchire, je raccommode, je rapièce, je tisse, je grave, j’écris à l’aiguille. J’utilise des vêtements ou photographies qui sont en lien avec mon travail. Le texte et le textile sont si proche, comme le papier avec les chiffons, l’écriture avec la broderie, la littérature avec le théâtre.
QUELS SONT LES OUTILS, MATÉRIAUX ET TECHNIQUES QUE JE PRÉFÈRE :
Le médium textile est mon outil de prédilection, je récupère des étoffes, comme le lin, le coton, la soie, je leur donne une seconde vie. J’ai l’art de les accommoder, l’art de les sublimer. J’aime aussi assembler les papiers avec les tissus, détourner les vêtements, recycler.
Je découvre depuis 2018 la gravure.
A QUOI RESSEMBLE MON ESPACE DE TRAVAIL :
Mon atelier se situe chez moi à Sète, c’est une petite pièce lumineuse avec une double porte fenêtre donnant sur l’extérieur.
QUELS SONT LES ARTISTES ET LES MOUVEMENTS QUI M’INSPIRE :
« Il me faut un point de départ, ne serait-ce qu’un grain de poussière ou un éclat de lumière. Cette forme me procure une série de choses, une chose faisant naître une autre chose. Ainsi un bout de fil peut-il me déclencher un monde, je travaille comme un jardinier comme un vigneron les choses viennent lentement » Joan Miro.
La décoration d’intérieur est un aspect essentiel de votre bien-être au quotidien. Que vous soyez particuliers ou professionnels, je conçois des espaces fonctionnels et esthétiques qui reflètent votre personnalité tout en apportant ma touche personnelle. Je vous accompagne de la conception à la réalisation. J’affectionne tout particulièrement l’univers industriel à travers ses matériaux humbles tel que le bois, le métal, le béton et la brique. Chiner, transformer, recycler est une démarche dans laquelle je m’inscris en transformant des conteneurs maritimes en surface d’habitation ou de travail. Les possibilités sont nombreuses que ce soit pour des besoins privés ou professionnels.
Je suis également sculpteur et travaille essentiellement la terre avec pour thématique la femme sous toutes les formes.
On le surnomme aussi Papaploo puisque « géniteur » des personnages, les « PLOO », avec lesquels il travaille principalement en peinture et en volume. Personnages minimalistes en survie dans un univers violent et dégradé par les humains, symbolisé par des textures brutes. Ses petits cyclopes se portent comme des témoins qui endurent la société actuelle en gardant des rêves utopiques de retour à l’humanité, avec leur logo / emblème souriant. Ils mènent à leurs niveaux, une petite guerre contre certains humains. Attention à vous pour ne pas subir leurs châtiments ! Tenez vous bien !
Aérien est aussi photographe catégorisé « alternatif », avec son studio photo, le « FOG Studio ». Des lumières cinématographiques, pleine de fumée, des images irritantes et dérangeantes avec ses bizarreries corporelles, ses mises en scène façon films d’horreur, ses ambiances sombres et ses allusions à l’univers médical. Des expériences visuelles qui font réfléchir sur les conditions humaines, les vices, les fragilités, les traumatismes, les différences corporelles…
Avant la fin de ses études à l’école des Beaux-Arts de Mexico, elle travaille et se spécialise dans la technique de peinture japonaise traditionnelle. Ensuite, elle part quelques années en Amérique centrale pour découvrir d’autres techniques indigènes de céramique et de poterie.
Elle poursuit sa formation sur les techniques anciennes en Europe, à Berlin durant cinq années, par la suite de s’installer dans le sud de la France.
Depuis son atelier de Fontès dans l’Hérault, Martha Arango expérimente la sculpture en utilisant divers matériaux naturels et recyclés, en particulier le papier et le carton.
Elle laisse remonter à la surface ses thèmes préférés : la nature, l’environnement, la spiritualité de l’homme.
Fondatrice de l’association Layanan, elle travaille pour une sensibilisation et une approche à l’art et l’environnement naturel.
Créations autour du papier – atelier/boutique/galerie d’art
Blucanari est une créature à deux têtes. Laura-Jeanne Sauthier et Tudal Marhic : deux parcours, deux histoires, deux univers distincts, se jetant des ponts et se liant dans un semblant de cohérence…
Installé à Pézenas, ville des métiers d’Art, Blucanari est un Atelier / Boutique / Galerie d’Art.
Nos créations viennent exclusivement de notre atelier, nous sommes à ce titre estampillé depuis avril 2014 du prestigieux label « Atelier d’Art de France ».
Tudal dessine, peint, grave, illustre et design tout ce qu’il peut. Avec ses doigts, ses pinceaux, ses gouges, sa tablette graphique… Formé à l’illustration traditionnelle à l’École Supérieure Estienne à Paris, il s’occupe de l’illustration et de l’impression artisanale (gravure, polymère, sérigraphie, etc). Les visuels créés sont imprimés sur une presse manuelle, avec de magnifiques encres à l’huile sur du papier d’Art 300g à 600g venant du monde entier. Les tirages sont exposés en séries limitées, ou sont utilisés pour couvrir carnets et créations en volume.
Laura-Jeanne écrit, dessine, assemble, coud, déchire, recycle tout ce qui lui passe par la main. Avec sa plume, ses mains, son scalpel, son plioir… Formée à la reliure d’art à Tolbiac à Paris, elle conçoit aussi les carnets et la papeterie artisanale, met en scène le papier, le cuir et le tissu, avec élégance et poésie. Elle est aussi l’auteur de nombreux textes originaux présents dans nos créations.
Né en 1985 et vivant à Montpellier, Cahuate Milk est un photographe plasticien vidéaste autodidacte.
Il côtoie depuis plusieurs années le milieu du spectacle vivant dont il est proche et met aujourd’hui ses créations au service des groupes de musique et des compagnies de théâtre.
Son travail photographique explore l’humain dans son questionnement et sa complexité. Mêlant sobre réalité et onirisme personnel, son travail se veut épuré et accessible.
Il travaille au sein de l’atelier A LA BARAK en centre-ville de Montpellier où il s’occupe également de la programmation de l’espace galerie.
Co-fondateur de la Galerie éphémère à Villeneuve-lès-Maguelone, il s’implique dans la promotion des artistes locaux ou émergents (photographie, dessin, street art, collage…).
Résolument tourné vers un univers graphique inspiré de l’univers street, il transpose ses œuvres sur des supports aux formats variés physiques et numériques : jouets, skateboards, vêtements, corps humain, art du papertoy…
Jip Hey construit son style autour de ses passions, le ride, les jouets, le graffity, le cinéma, le tatouage. Et participe souvent à des créations collectives avec photographes, illustrateurs ou plasticiens.
Des couleurs lumineuses, des laques monochromes, des situations étranges, des fleurs imaginaires, des hommes au travail, des linogravures… Le talent de Christophe Cosentino s’affirme par la diversité et la richesse de ses créations.
Il précise depuis quelques années un langage pictural poétique qui lui est propre. En juxtaposant des éclats de céramiques sur ses peintures, il pointe, souligne, éclaire : un détail de fond marin, une paire de chaussures… Le relief change la perspective et ouvre une lecture poétique.
Il nous offre des portraits, voire des gueules en noir et blanc tracés, marqués, tatoués de rêves et d’histoires de la vie… Un regard tourné vers le large mais toujours attentif aux détails, Cosentino révèle, sous forme de parabole picturale, un grand intérêt pour le devenir de l’être humain et capte l’esprit inquiet et tourmenté de notre époque.
Il flirte avec le bizarre et les situations étranges. Vous avez dit étrange ? Comme c’est étrange…
Issu des arts appliqués de Marseille, Jean-louis Crudenaire travaille la vidéo depuis plus de 20 ans en parallèle du graphisme. Artiste auteur de films remarqués dans des festivals internationaux et expositions d’art contemporain, il met également son talent au service de commandes ou de performances live.
Les idées de mondialisation et de rationalisation sont au cœur de ses recherches (voir “JETLAG”, “COL BLANC”, le DVD “NUAGES en compagnie”).
“À la manière des maîtres visionnaires Marc Duran s’est jeté dans la peinture, la grande, celle d’où on ressort ébranlé comme d’un rêve étrange mais familier dont aurait perdu la clef. Bluffée par les premières toiles, la pop galerie monte sa première exposition – deux jours, dans son salon. Le gratin s’y presse… ils vendent tout ! Boosté par cette fantastique révélation Marc Duran s’attèle avec frénésie à la toile, dérouté par sa réelle performance, mais crânement convaincu qu’il est temps de frapper un grand coup et de récolter les fruits de dizaines d’années de dérive autour du monde. Comme un artiste médiumnique du siècle dernier, Marc Duran vient d’avoir une vision, sauf que là tout se joue devant nos yeux et qu’il ne tient qu’à nous d’assister à l’éclosion.” Pascal Saumade
Le projet artistique collectif et participatif cssJPG investit l’espace public en proposant un nouveau regard sur la nature.
Chaque oeuvre, appelée «CSS», est composée par un ensemble de photos prises en milieu naturel (les textures) et assemblées en mosaïque pour créer un tableau pixelisé.
Ces illusions éphémères s’inscrivent en milieu urbain pour être données à la vue et à la portée des passants, les questionner, ou simplement provoquer leurs réactions spontanées.
Ce projet tend à valoriser l’environnement naturel et invite chacun à se questionner sur la nature, la cité et les interactions entre ces habitants. Inscrire une «CSS» dans la rue, c’est créer un espace d’expression.
Le public est ensuite libre de l’interpréter et de lui donner une identité.
Le site web cssjpg.com encourage les commentaires et favorise la libre expression.
Himapan méditerranée – Claire Rosiaux – Plasticienne A mon arrivée en France, après plusieurs années passées en Asie, j’ ai crée HIMAPAN MEDITERRANEE.
Je réalise des tableaux peints sur des feuilles naturelles de lotus séchées.
Ce concept est innovant puisque c’est vous qui déterminez le format (standard, sur-mesure), le nombre de tableaux (individuel, diptyque, triptyque…), les couleurs, la technique (acrylique, Huile extra-fine) et je réalise votre souhait.
C’est en Thaïlande qu’ est produite et récoltée la feuille de lotus et
les toiles sont fabriquées dans nos ateliers de Bangkok.
J’ importe les toiles « lotus » brutes et je les peins dans mon atelier de Castelnau le Lez.
Née en 1976 à La Rochefoucauld (16), Gaëlle Jovert vit une enfance nomade, emménageant régulièrement dans de nouvelles villes, de nouveaux villages, de nouveaux paysages.
Les illustrations de contes ont modelé son rapport à l’image. Elle était fascinée par leur capacité à matérialiser un monde imaginé.
Cette fascination l’a conduite à intégrer un cursus en arts appliqués à l’industrie dès le lycée. Elle poursuivra jusqu’à l’obtention de sa licence en 1998. Elle débute alors une carrière dans la publicité, explorant d’avantage la puissance de la narration picturale, son aptitude à modifier les comportements, à mobiliser les énergies, jusqu’à rendre réel ce qui n’était que souhait ou hypothèse.
Un après-midi de l’été 2007, elle rencontre La vie de Marc Chagall, à la fondation Maeght. Face à cette vaste peinture, toute tentative de lecture a disparu, cédant la place à une sensation physique de résonance et de dénouement. C’est là l’expérience fondatrice qui guidera sa pratique de la peinture.
Par la suite, les œuvres d’Edward Hopper, Peter Doig ou Olivier Masmonteil l’ont guidée vers une figuration à la fois affranchie et réconciliée avec la narration, faisant la part belle à la sensualité et à l’instinct du peintre comme du spectateur.
C’est en 2010 qu’elle débute sa recherche picturale, fondée sur l’idée d’une peinture impressive, capable d’absorber le spectateur jusqu’à modifier son rapport même au monde.« Il n’y a pas de recouvrement dans mon travail. Ma peinture est transparente, riche et intense de toutes les traces, de toutes les couleurs qui l’ont construite.»
Contact Atelier : Le banc rouge – 6 bis rue des Petits Champs – 34500 Béziers Tel : 06 46 72 83 17
Pascal MAHAUD poursuit une réflexion sur la place de l’être humain dans la société et le monde.
Comment l’être peut-il conserver son humanité essentielle dans la réalité d’aujourd’hui ?
L’être humain, corps-esprit-âme, est pris dans son contexte global. Il est souvent soumis aux plus grandes tensions, pressé, écorché jusqu’à sa dislocation et atteint un précaire équilibre. Pour ne pas succomber il doit se construire et se reconstruire en permanence. Chancelant entre sujet et objet, écrasement et enfermement, l’être humain résiste au quotidien pour sauvegarder sa place. C’est ce précaire équilibre que l’artiste met en scène plastiquement. Ses œuvres mettent en avant la réalité à travers ses sujets en quête d’empreinte identitaire.
Tracer, déchirer, recouvrir tel est la besogne infinie qui donne corps à l’œuvre. Un travail de répétition qui révèle toute l’intensité de celle-ci. Évoluant dans trois qualités d’expression plastique – l’œuvre bidimensionnelle, l’installation, la performance – le style devient un outil pour Pascal MAHAUD. Que la forme soit représentative ou complètement abstraite, c’est une force, une sensation que l’artiste souhaite retranscrire. Chaque œuvre appelle sa matière, sa technique pour servir au mieux la représentation d’une énergie, d’un fragment d’intériorité…
ArtJL se consacre à ses créations et re-créations artistiques. Une touche personnelle, authentique et originale.
ArtJL tend à l’universel, traverse les époques et transcende les modes. Il s’expose, s’importe et se réinvente en permanence.
Son design communiquant laisse place à vos rêves dont vous modifiez l’orientation et l’interprétation.
Ses œuvres laissent entrevoir une sensibilité particulière de liberté et d’imaginaire. Elles répondent aux critères de l’intérêt esthétique intemporel laissant peu de place à la rationalité au profit de la rêverie.
Deux thématiques chez ArtJL
L’Upcycling :
« Redonner une seconde vie à la matière est une philosophie. Pourquoi jeter alors que nous pouvons transformer ?
Il n’y a pas de perte… Il y a de la création et de la re-création. »
Un éclairage ArtJL changera vos ambiances, il sublimera vos intérieurs. La Calligraphie Contemporaine et 3D :
« Les jeux de lumières et de reliefs rendent les toiles dynamiques. Un nouvel angle de vue nous fait redécouvrir l’œuvre. »
ArtJL développe sa propre calligraphie contemporaine avec un effet 3D. Des lignes pures pour une représentation graphique élégante.
« Un univers relaxant, apaisant et inspiré où l’élégance se mélange à l’esprit. »
ArtJL retranscrit sur ses toiles son monde insolite où les couleurs monochromes, les traits et les symboles en décuplent le charme. L’artiste libère l’interprétation qui surprend autant qu’elle fascine.
Né à Angers. On trouve l’atelier dans un faubourg montpelliérain, ses murs martelés par les météores poétiques du gang d’écrivains et d’interprètes voisins, une des grandes portes rouges entrouverte sur la rue limpide. Pas d’écoles d’arts, un style construit par les strates d’expériences, émotions, techniques, études, souffles avec les hommes, femmes et matériaux de ces moments.
En découlent des traces, influences et une sensibilité : la lucidité de Schiele, de Dubuffet ou de Pignon-Ernest – la littérature et ses genres ; l’icône – byzantine autant qu’africaine et chicano tant qu’elle n’est pas un cliché marchand ; le trait et le noir – de l’estampe, de la bande-dessinée autant que du cinéma ; la considération naturelle des matières humbles à portée de main – leur beauté révélée un temps par le Nouveau-Réalisme ; la rue rurale, la rue de ville – ceux qui l’habitent, la dansent ; Le travail singulier des épaisseurs d’affiches synthétise ces tendances.
L’arrachage et le « lacérage » d’affiches permettent de nous lire à travers ces accumulations d’écrits, de symboles, de sens et de couleurs qu’on cueille à même les murs. Les accidents, les trous et les déchirures constituent l’alphabet aléatoire et poétique nécessaire. La peinture, le dessin, une pulsion naturelle et un nœud où tous les regards se rencontrent.
Mes investigations plastiques explorent les différentes formes de construction dans ses dimensions géographiques et paysagères, architecturales et culturelles. Pour cela, je mêle deux médiums, la photographie et la sculpture, dans des installations ; comme je les isole en photographiant des lieux plus comme un sculpteur qu’un photographe. À travers des intrigues architecturales et paysagères, cette relation met en tension la question de l’image comme sculpture.
Mes installations œuvrent par un travail de l’espace entre présence et absence, construction et inachèvement, interne et externe. Accompagné ou pas, avec la sculpture je me livre à une anthropologie qui feindrait l’archéologie. La photographie, devient une fenêtre à regarder sur un monde extérieur où l’image persiste au-delà de l’événement. Un rapport entre ce qui apparaît, ce qui disparaît, ce qu’il y a eu et ce qu’il reste ; avec la ruine comme pont mémoriel entre hier et aujourd’hui.
Mais aussi..
Éléna Salah est née à Montreuil, à côté de Paris. C’est à Nantes, où elle est diplômée des Beaux Arts en 2010, qu’elle met en place sa pratique de l’installation en questionnant la sculpture à travers l’image photographique. Sa relation à la sculpture lui permet d’intégrer la HEAD de Genève en Suisse où elle pratique la céramique grâce à la formation CERCCO. C’est par le déplacement et le voyage qu’Éléna Salah nourrit ses installations d’intrigues architecturales. Elle s’investit, aujourd’hui, sur Sète en tant qu’artiste plasticienne, artiste intervenante et pédagogique.
“Ma peinture reflète mes origines mexicaines : couleurs, avec de forts contrastes, grands espaces ensoleillés, paysages imposants et personnages qui m’ont accompagnés.
Chaque peinture raconte un bout de mon histoire, avec mes voyages, mes doutes et mes certitudes, mes peines et mes joies. Avec les lignes et les traits je délie les confusions qui surgissent à chaque instant et qui peu à peu m’aident à mieux comprendre mon chemin. Pendant que je peins je n’ai pas de doutes, c’est un grand cadeau pour moi. Peu importe le résultat : j’apprends dans chaque tableau des choses importantes que j’essaie de partager.
Je travaille avec des couleurs fortes et contrastées, des traits spontanés, instinctifs, sans esquisses et dessins préparatifs. Ma peinture m’apparaît telle que vous la voyez. Elle est le résultat d’une sensation primaire sans recherche, sans explication, avec très peu de correction ou modification : le résultat de l’expression d’un moment qui ne se répète pas.”
Contact :
Mail : velazquez.silvia@orange.fr
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